Films Fellini Quotes

I don’t like the idea of “understanding” a film. I don’t believe that rational understanding is an essential element in the reception of any work of art. Either a film has something to say to you or it hasn’t. If you are moved by it, you don’t need it explained to you. If not, no explanation can make you moved by it.

The only place where you can be a dictator and still be loved is on the movie set

Georgian film is a completely unique phenomenon, vivid, philosophically inspiring, very wise, childlike. There is everything that can make me cry and I ought to say that it (my crying) is not an easy thing.

Oh, no. This has "marriage" written all over it. Travis, read my lips: remember that Fellini film with the prostitute who says that every new sunrise makes her a virgin? It doesn't work that way with me. Even the sun thinks I'm a slut.

Borges is particularly stimulating to a man who works in the cinema, because the unusual thing about his writing is that it is like a dream, extraordinarily farsighted in calling up from the unconscious complete images in which the thing itself, and its meaning, coexist - exactly as happens in a film. And, just as happens in dreams, in Borges the incongruous, the absurd, the contradictory, the arcane and the repetitive, although as powerfully imaginative as ever, are at the same time illumined like the careful details of something larger, something unknown, and are the faultless elements of a cruelly perfect, indifferent mosaic. Even the fact that Borges's work is strangely fragmentary makes me think of a broken dreamlike flow; and the heterogeneous quality of his work - stories, essays, poems - I prefer to see not as the union of the multiple threads in a greedy, impatient talent, but as a mysterious sign of unending change.

Julia edged closer, wondering what kind of vocabulary dogs understood. Frederico Fellini, her cat, was an intellectual and she could talk about books and films to him, as long as it was after he'd been fed, and fed well. She had the vague notion that dogs preferred football and politics.

Movies do not change, but their viewers do. When I saw La Dolce Vita in 1960, I was an adolescent for whom “the sweet life” represented everything I dreamed of: sin, exotic European glamor, the weary romance of the cynical newspaperman. When I saw it again, around 1970, I was living in a version of Marcello’s world; Chicago’s North Avenue was not the Via Veneto, but at 3 a.m. the denizens were just as colorful, and I was about Marcello’s age. When I saw the movie around 1980, Marcello was the same age, but I was 10 years older, had stopped drinking, and saw him not as a role model but as a victim, condemned to an endless search for happiness that could never be found, not that way. By 1991, when I analyzed the film a frame at a time at the University of Colorado, Marcello seemed younger still, and while I had once admired and then criticized him, now I pitied and loved him. And when I saw the movie right after Mastroianni died, I thought that Fellini and Marcello had taken a moment of discovery and made it immortal.

Poets may be the “unacknowledged legislators” but I don’t know if we’re that important. My fear overwhelms me at times; I gave you my fear, a withered gift. You are the true poet of the family. You gave me the cry of a baby in its mother’s arms, cotton candy at the circus, John Cage exhibits at the museum, lying under the light of the full moon. You gave me Fellini films and old Romances, a glass of Burgandy in a darkened restaurant where lovers cling to hope of passion and contentment. You gave me hope and love, but most of all, you gave me poetry.

During his time at VGIK, Tarkovsky and his fellow students studied all aspects of filmmaking, watching the classics of Soviet cinema and taking part in workshops in which they would demonstrate their technical ability. This even included acting; Tarkovsky’s fellow student and friend, Alexander Gordon, remembers him giving a superb performance as the aging Prince Bolkonsky when Romm got the students to perform scenes from War and Peace during their third year at VGIK. Tarkovsky saw many classics from outside the Soviet Union, including Citizen Kane, the films of John Ford and William Wyler, and the works of the fathers of the French New Wave, Jean Renoir and Jean Vigo. Tarkovsky developed a personal pantheon that included Bergman, Bunuel, Mizoguchi and Kurosawa, Fellini and Antonioni. The only Soviet director who made it into his pantheon was Dovzhenko, although he was good friends with the Georgian director Sergei Parajanov, whom he regarded as ‘a genius in everything’. He also spoke highly of Iosseliani, and, on occasion, of Boris Barnet. But above them all was the towering figure of Robert Bresson, whom Tarkovsky regarded as the ultimate film artist.

Azt halljuk, hogy a művészet elkerülhetetlenül művészetkommentálássá vált; félünk attól, hogy a technika elnyeli azt, ami egykoron tartalomként volt ismeretes. Minderről azt mondják, siralmas dolog, gyenge látvány, szomorú állapot. És mégis, nézzük csak meg, hány a fentiekhez hasonló módon fogant művészi alkotás virágzik, talál lelkes követésre, és indít meg mélyen bennünket. Kell valami jónak is lennie mind e negatívumokban. És van is. Ezek a művek állandóan a jelentőségteljesség mind költőibb területei felé tartanak. Legyünk konkrétabbak: a Godot-ra várva rendkívül megindító és részvétteli antidráma. Az ürességgel és cifrasággal foglalkozó Az édes élet furcsa módon éltető, sőt ösztönző film. Nabokov antiregénye, a Sápadt tűz (Pale Fire) szenzációs mestermű, hőse, Charles Kinbote valódi antihős. Balanchine legabsztraktabb, legelvontabb balettjai bombasikerek. De Konoing képei csodálatosan dekoratívak, szuggesztívek, serkentőek és rendkívül drágák. Ez valóban igen hosszú lista lehet, ám egyvalamit nem foglalhatnék bele – valamely komoly antizene-darabot. A zene nem boldogulhat mint anti-művészet, mivel gyökerében és radikálisan absztrakt, míg a többi művészet mind alapvetően a valóság képével foglalkozik – szavakkal, formákkal, történetekkel, az emberi testtel. És amikor egy kiváló művész a valóság képét absztrahálja, vagy másik, látszatra nem odaillő képpel kapcsolja össze, vagy illogikus módon vegyíti – ez a költői formába öntés. Ebben az értelemben Joyce poétikusabb, mint Zola, Balanchine, mint Petipa, Nakobov, mint Tolsztoj, Fellini, mint Griffith. De John Cage nem költőibb Mahlernál, s Boulez sem Debussynél.

This life is so full of confusion already, that there's no need to add chaos to chaos. (...) Destroying is better than creating when we're not creating those few, truly necessary things. But then is there anything so clear and right that it deserves to live in this world? (...) We're smothered by images, words and sounds that have no right to exist, coming from, and bound for, nothingness. Of any artist truly worth the name we should ask nothing except this act of faith: to learn silence. (...) Our true mission is... sweeping away the thousands of miscarriages that everyday... obscenely... try to come to the light. And you would actually dare leave behind you a whole film, like a cripple who leaves behind his crooked footprint. Such a monstrous presumption to think that others could benefit from the squalid catalogue of your mistakes! And how do you benefit from stringing together the tattered pieces of your life? Your vague memories, the faces of people that you were never able to love...

Each moment presented may be your last, so fill it up until you vomit

Beethoven and Paul McCartney cited dreams as the spark behind some of their musical compositions (including McCartney’s famous “Yesterday”). Some of the most recognizable sequences in film—sections of Ingmar Bergman’s Wild Strawberries, Fellini’s 8 ½, Richard Linklater’s Waking Life—are translations of the directors’ dreams. Mary Shelley credited dreams with inspiring Frankenstein; E. B. White with Stuart Little.

uno dei grandi libri della critica letteraria, Mimesis di Erich Auerbach: fu scritto durante la guerra, a Costantinopoli, dove non esistevano biblioteche fornite per studi sui testi europei, e dove non esistevano nemmeno edizioni critiche fidate dei testi. E Auerbach dice: «Del resto, è possibilissimo che il libro debba la sua esistenza proprio alla mancanza d’una grande biblioteca specializzata; se avessi potuto far ricerche, informarmi su tutto quello che è stato scritto intorno a tanti argomenti, forse non mi sarei piú indotto a scriverlo. Sto cercando di dire che forse è addirittura grazie a quella sua parziale ma sperimentata superficialità che Fellini ha concepito un film cosí ambizioso con il rischio di sbagliarlo.

The influence of the mid-to-late-Sixties English counterculture is clearer in The Beatles’ music than in that of any of their rivals. This arose from a conflux of links, beginning with their introduction by Brian Epstein to the film director Richard Lester, continuing with McCartney’s friendships with Miles and John Dunbar, and culminating in the meeting of Lennon and Yoko Ono. Through Lester and his associates - who included The Beatles’ comedy heroes Spike Milligan and Peter Sellers - the group’s consciousness around the time of Sgt. Pepper was permeated by the anarchic English fringe theatre, with its penchant for Empire burlesque (e.g., The Alberts, Ivor Cutler, Milligan and Antrobus’s The Bed Sitting Room). This atmosphere mingled with contemporary strains from English Pop Art and Beat poetry; the ‘happenings’ and experimental drama of The People Show, Peter Brook’s company, and Julian Beck’s Living Theatre; the improvised performances of AMM and what later became the Scratch Orchestra; the avant-garde Euro-cinema of Fellini and Antonioni; and the satire at Peter Cook’s Establishment club and in his TV show with Dudley Moore, Not Only . . . But Also (in which Lennon twice appeared). From the cultural watershed of 1965-6 onwards, The Beatles’ American heroes of the rock-and-roll Fifties gave way to a kaleidoscopic mélange of local influences from the English fringe arts and the Anglo-European counterculture as well as from English folk music and music-hall.

Vivere la vita come un blocco unico e coerente, vivere la vita come esplosa in tanti frammenti. È la storia della volpe e del riccio di un frammento di Archiloco, e su cui Isaiah Berlin ha costruito un saggio. «La volpe sa molte cose, ma il riccio ne sa una grande». Berlin ne fa uno spartiacque degli scrittori, dei pensatori, e dell’umanità in generale. Gli esseri umani si dividono in volpi e ricci. Ricci sono quelli che si rifanno a un unico principio ispiratore, sulla base di una visione morale del mondo. Volpi sono quelli che si appassionano a modelli diversi e contraddittori, senza un faro etico. Per esempio, ricci secondo Berlin sono Platone, Lucrezio, Pascal, Hegel, Dostoevskij e Proust. E volpi: Erodoto, Aristotele, Montaigne, Erasmo, Molière, Goethe, Puškin, Balzac e Joyce. Otto e mezzo racconta che Guido è volpe. Il Gattopardo racconta che don Fabrizio è riccio. Tutti e due concludono il film accettando la propria essenza. E forse, Fellini, Mastroianni sono volpi; Visconti, Lancaster sono ricci. Non so, potrebbe essere cosí. Ma di sicuro, questi due film contemporanei rappresentano i due aspetti dell’umanità, secondo questo principio. Insieme, riempiono tutti i tasselli possibili.

Questo apice e questo inizio della decadenza è rappresentato da due film che sono il punto piú alto del momento d’oro ma anche, essendo il punto piú alto, il primo passo verso la decadenza; ma la cosa piú interessante è che sia Otto e mezzo, sia Il Gattopardo sono dei film decadenti che hanno al centro dei personaggi decadenti, che si pongono il problema della fine di un’era. Nel Gattopardo si tratta della fine di un’epoca storica. In Otto e mezzo c’è la fine della giovinezza (o la paura della fine della potenza) per un individuo e soprattutto per un artista. Uno non ha piú niente da dare al mondo, l’altro non ha piú niente da dire al mondo. Questo raccontano i due film che segnano la fine dell’età d’oro del cinema italiano e l’inizio della sua decadenza. Allo stesso tempo, rappresentano la risposta piú concreta all’inizio della crisi e alla concorrenza della tv: lo sfarzo della messinscena del Gattopardo, la grandiosità della messinscena libera e autoriale di Otto e mezzo. Sono due risposte produttive molto concrete, che infatti danno risultati sia di prestigio sia commerciale. Ma quella potenza produttiva non si vedrà piú; già Il sorpasso, loro contemporaneo, sceglie costi piú abbordabili con risultati ottimi. Da ora in poi, il cinema italiano non si permetterà piú facilmente film spettacolari; né Visconti e Fellini riusciranno a ottenere produzioni del genere senza lotta e sacrificio, e comunque non a questo livello. In piú, a suggellare la veridicità di questo ragionamento, la doppietta Sodoma e Gomorra e Il Gattopardo, cosí onerosi, distrugge la Titanus, che per riprendersi dovrà affidarsi a musicarelli e film con Franco Franchi e Ciccio Ingrassia. È la fine di un’epoca d’oro del cinema italiano. È la fine di un’epoca per don Fabrizio e la sua classe aristocratica. È la fine di un’epoca per Guido e la sua creatività senza freni. Il Gattopardo in particolare rappresenta la reazione del cinema al cambiamento che sta per avvenire: con il grande schermo, il colore, le grandi scenografie, è il kolossal italiano che si contrappone al decadimento del cinema. Lombardo ne parlerà cosí: «Il film è piú di Via col vento, è una cosa enorme. È favoloso. È difficilissimo per un film che tutti gli elementi siano contemporaneamente efficienti allo stesso modo. Io credo che Il Gattopardo segnerà un’epoca nel cinema italiano. Per me come produttore penso che nella mia vita di produttore mi basterà di avere fatto Il Gattopardo».

Questa disponibilità all’imprevisto, Fellini la teorizza: «Tutto fa parte del film. E un’altra cosa vorrei dire: non esistono condizioni ideali per la realizzazione di un film, o meglio: le condizioni sono sempre ideali, perché sono quelle che in definitiva ti hanno permesso di fare il film cosí come lo stai facendo; la malattia di un attore, che obbliga alla sua sostituzione, la scaltra testardaggine di un produttore, un incidente che arresta la lavorazione: non sono degli ostacoli, ma gli elementi stessi di cui il film viene via via componendosi. Ciò che è finisce sempre per prendere il sopravvento, per sostituirsi a ciò che avrebbe potuto o dovuto essere. Gli imprevisti non solo fanno parte del viaggio, ma sono il viaggio stesso».

Talking about dreams is like talking about movies, since the cinema uses the language of dreams; years can pass in a second, and you can hop from one place to another. It’s a language made of image. And in the real cinema, every object and every light means something, as in a dream.” ~ Federico Fellini